КОМЕДИЯ ДЕЛЬ АРТЕ

 

Комедия дель арте, или комедия масок, - вид итальянского театра XVI – XVII вв., сочетавший в себе черты веселого карнавала, народного фарса и «ученой комедии», сыгранной на буффонный лад. Разыгрывали спектакли бродячие лицедеи. Глава группы – капокомико задавал сюжет, и на подмостки выходили два веселых дзанни (слуги) – Бригелла и Арлекин; скупой, спесивый и хворый купец Панталоне; ученый болван Доктор юриспруденции из Болоньи; трусливый бахвал Капитан; острая на язычок служанка Сервета. Появлялись влюбленные, и начиналась веселая карусель: старики, как водится, мешали соединению любящих, а молодые с помощью бойких услуг оставляли их в дураках. Написанного текста не было, была сюжетная схема, сценарий и актеры импровизировали диалог на ходу, подхватывая реплики партнера. Ансамбль получался великолепный, действие стремительное; находилось место и для сольного номера, и для уморительных лацци – трюков, которые показывали оба дзанни.

Веселый, разбитной Бригелла выходил в белой блузе с поясом и широких белых штанах. На блузу Арлекина нашивали пестрые лоскутки. Это был добродушный и ребячливый парень, правда, несколько глуповатый по сравнению с Бригеллой.

Панталоне щеголял в красных штанах, красной курточке и черном плаще, был не прочь, несмотря на возраст, поволочиться за девушками и считал себя достойным всяческого внимания. Доктор являлся в черном мантии с белым жабо и говорил на тарабарской латыни. Капитан обещал стереть в порошок каждого, кто вставал на его пути, ведь он – испанец и уже покорил полмира – вот только деревянная шпага всякий раз в ножнах, и потому он опрометью удирал от старого Панталоне, стоило тому погрозить ему пальцем.

Слово, пантомима, музыка, танец соединялись в веселом увлекательном зрелище.

Маска в комедии – это и собственно маска, закрывавшая лицо актера полностью или частично (иногда просто прикрепленный нос или огромные очки), и социальный типаж, заостренный до шаржа, с неизменным физическим обликом и чертами характера, своей «психологией». Последняя определялась его социальным положением или профессией. Актер, выступивший удачно в какой-то маске, затем постоянно появлялся с ней на сцене; так возникло понятие «амплуа» (см. Маски и амплуа). Самих же масок было великое множество: так, на юге Италии Панталоне именовался Ковьелло, вместо Доктора важно выступал нотариус Тарталья, Бригелла стал Пульчинеллой, отличавшимся особым нахальством и злостью. Но все это были вариации тех же типов, обобщенных и метких. Нередко представления комедии дель арте были остросатирическими, и тогда после спектакля труппа комедиантов спешила удалиться проч. В состав бродячих трупп входили замечательные актеры-импровизаторы, такие, как Дж. Ганасса и Н. Барбьери – создатели масок дзанни; Ф. Андриени – знаменитый и неподражаемый Капитан.

Популярность этого народного зрелища была огромной и перешагнула границы Италии. Труппы итальянцев кочевали по всей Европе и поистине всеевропейской известностью пользовались Изабелла Андриени, братья Мартинелли, Дж. Саки. В Париже была даже своя «Комедии итальен», опасный конкурент Французским актерам. Итальянцев не раз изгоняли, но на их же искусстве и учились. Влияние итальянской комедии масок заметно, например, в ранних пьесах Ж. Б. Мольера. Маски комедии, которые итальянские актеры показывали в других странах, не редко принимали национальный блик (так, английский Панч – потомок Пульчинеллы), становились частью национальной культуры страны.

В самой Италии пьесы-сценарии и актер-импровизатор были не менее популярны, чем комедии К. Гольдони или пьесы-сказки К. Гоцци, в которых нередко действуют маски. Романтики с их особым вниманием к фольклору, к народному началу в культуре высоко ценили творчество Гоцци.

В начале XX в. вновь пробуждается интерес к комедии дель арте. Так, режиссеры Г. Крэг, В. Э. Мейерхольд, Е. Б. Вахтангов возрождают и по-своему интерпретируют темы и образы старого итальянского театра. Постановка Вахтанговым «Принцессы Турандот» Гоцци стала событием, ознаменовав собой появление целой школы в советском театральном искусстве.

Италия XX в. знала «великого Арлекина» М. Моретти, игравшего в спектакле Дж. Стрелера «Слуга двух господ» по пьесе Гольдони. В наши дни дух комедии масок, может быть, полнее всего воплощает замечательный актер-импровизатор Д. Фо, в чьих спектаклях соединяются политическая сатира и виртуозное лицедейство. Влияние маски ощутимо и в творчестве Э. Де Филиппо – драматурга, режиссера, актера (см. Итальянский театр).

Народная комедия масок с ее раскованностью, свободой и веселым бесстрашием оказала благотворное воздействие на театральное искусство не только в Италии. Что же касается итальянского театра, то и сегодня в нем сохранилась та I’anima allegro - «веселая душа», которая сделала маску живой и была сутью комедии дель арте.

_______________________________________________________________

 

Как жанр комедия дель арте возникла в середине XVI века.
По существу название это переводится как «профессиональный театр», под ним выступал целый ряд театральных трупп. Позднее комедию дель арте стали именовать комедией масок. В ней продолжал свое предцирковое развитие комедийный персонаж – прародитель клоуна. Его черты проглядывают в масках дзанни. Слово «дзани» - произвольный вариант имени Джованни. (По-русски его звали бы просто «Ванька».) Дзани – общее название масок комедии: Арлекино, Бригеллы, Бельтраме, Буфето и т. д. Главными же были старик Панталоне (шаржированный персонаж венецианского купца) и Доктор (пародия на лжеученого). На долю дзани в комедии выпадало много побое. Но все эти драки не удручали, а веселили, так как носили карнавальный характер. К тому же дзани-слуги, улучив момент, лихо разделывались со своими господами.
Именно дзани, обладая воистину цирковой актерской техникой, разыгрывали лацци (буквально переводится как «действие») в сюжете комедии.
Они жонглировали, крутили сальто и пируэты, летали над сценой, проваливались в люки, показывали фокусы.
Первым из слуг в комедии считался Бригелла, а вторым – Арлекин. Костюм Бригеллы состоял из белой полотняной блузы, таких же панталон, длинных и навыпуск, белого плаща, белой шапочки, желтых кожаных ботинок, пояса под цвет ботинок и белых чулок. За пояс был заткнут кинжал, чаще всего не бутафорский из дерева, а настоящий. Шапочка, плащ, блуза и панталоны Бригеллы были расшиты зелёными галунами.
На первых порах Бригелла олицетворял тип умного крестьянина, ловкого и изворотливого. Он активно включался в борьбу, долго помнил полученные обиды, был мстителен. При случае Бригелла мог пустить в ход свой кинжал. Его голова была полна хитроумных планов, а хозяева Бригеллы, помимо своего желания, довольно часто оказывались замешанными в его проделках. Он легко находил выход из любой ситуации, умел произносить пламенные тирады и в карман за словом не лез. Бригеллу постоянно обуревали страсти к женщинам, к золоту. Он был отважен с трусливым противником, нахален с женщинами, нагл с дряхлыми стариками, но, если Бригелла видел силу и власть, он тотчас начинал заискивать.
Бригелла умело закручивал комедийную пружину сценария , опутывая всех сетью интриг. Его ловкости, хитрости и остротам не было предела. Если было необходимо, то Бригелла мог сыграть на музыкальном инструменте, а во время комедийной погони неожиданным акробатическим прыжком избавиться от преследователей. В первые годы сценической жизни Бригелла – «мрачный шут и опасный нигилист», но потом становится более мягким и веселым. Кинжал заменяется безобидной палкой. Маска первого дзани – это парень с хитрецой, тертый калач. Его трудно обвести округ пальца, а он перехитрит кого угодно.
Маска Бригеллы оказала несомненное влияние на «говорящего клоуна». Костюм циркового клоуна такого же типа, его характер, его саркастические остроты, его страсть к интригам, мистификациям, любовь к пространным монологам, акробатическая ловкость и безобидная палка в руках (на цирковом языке эта палка стала называться батоном и превратилась в традиционный реквизит клоуна), вне сякого сомнения, обнаруживают близкое родство «говорящего клоуна» с маской Бригеллы.
Маска Арлекина, второго дзани в комедии дель арте, оказала огромное влияние на иной тип циркового клоуна. Арлекин добр, незлопамятен, необычайно простодушен и глуп. Если Бригелла командует, то второй слуга с веселой беззаботностью и беспомощной глупостью охотно подчиняется. Отметим, что в цирке взаимоотношения легки в основу многих клоунских дуэтов. Как большинство цирковых рыжих, Арлекин не умел быстро приспосабливаться и не обладал житейской изворотливостью Бригеллы. Арлекин действовал по наитию, в состоянии радужного мировосприятия и не редко попадал впросак. Поступки Арлекина пережали его мысли. Он как бы витал над действительностью. Его одеяние выглядело так: крестьянская рубашка из белой материи и длинные панталоны. Все это было обшито разноцветными лоскутами. Они изображали заплаты на рубахе бедного крестьянского парня. Маска Арлекина стала прародителем циркового Рыжего, так этого клоуна называли в русских цирках, а за рубежом его именовали Августом.
Маски комедии, получив большую популярность, скорее распространились не только в Италии, но и в других странах. Так в 1557 году в Англии играет итальянская труппа Друзиано, в 1645 году итальянцы довольно прочно обосновались в Париже. Пульчинелла (маска южной группы комедии дель арте) стал любимейшим персонажем народных карнавалов, даже Полишинель во Франции и Панч в Англии переняли у Пульчинеллы многие смешные выходки. Маска Арлекина постепенно насыщалась национальными чертами того народа, перед которым ему доводилось выступать. В Германии, даже не меняя костюма, Арлекин стал называться именем народного комедийного персонажа Ганса Вурста (Гусиная Колбаса), в Англии – Мэри Эндрю (Веселый Эндрю) и Джек Пудинг, во Франции – Жан Фарин (Жан Мука), Жан Поташ (Жан Щи). Карнавальная традиция заимствования комедиантами своих имен у национальных блюд продолжает сохраняться и в цирковой клоунаде. Например, Коко – псевдоним многих клоунов (напиток, составляемый из воды и лакрицы), Бублик – псевдоним клоуна В. Кондратова, Колобок – псевдоним клоуна В. Колобкова, Кисель и Клюква – псевдонимы артистов К. Иванова и В. Гаврилова.
Цирковые клоуны, так же как персонажи комедии дель арте, раз и навсегда выбирают роли, наиболее отвечающие их данным, и играют их всю артистическую жизнь. Характер роли остается один и тот же.
Комедия дель арте существовала около двухсот лет, и ее артистами было придумано огромное количество лацци, некоторые из них дожили в качестве цирковых реприз и номеров до наших дней. Связь между клоунадой и комедией дель арте настолько явно прослеживается, что знаменитые французские клоуны Фрателлини назвали клоунаду «прямой наследницей итальянской комедии дель арте».

 

 

Московский театр «Арлекин», названный по имени главного персонажа итальянской «commedia dell’Arte», основан Сергеем Мелконяном в 1973 году в Москве, который до настоящего времени является его бессменным руководителем. Первый спектакль «Двадцать минут с ангелом» А.Вампилова, был сыгран в 1974 году на сцене Дворца культуры «Внуково», в Москве. Сергей Мелконян – известный режиссер, общественный деятель, и педагог.

Театр «Арлекин» лауреат многих Международных и Национальных Театральных фестивалей, обладатель самых престижных театральных премий и призов.

Театр сохраняет традиции итальянской комедии «dell’Arte» – одного из самых радикальных и авангардных направлений в мировом театре – современного мюзикла, а также включает в себя лучшие достижения русских театральных школ – Евгения Вахтангова и Михаила Чехова. Специфика театра «Арлекин» – музыкальные спектакли, в которых используется минимум декораций, максимум сценического света, живой звук в постоянном, непрерывающемся действии. Для спектаклей театра «Арлекин» характерно сочетание пластики, мимики, хореографии и вокала в едином сценическом действии.

Театр с огромным успехом выступал в Венгрии, Австрии, Дании, Швеции, США.В 90-е годы «Арлекин» стал первым и пока единственным российско-американским театром. Спектакли «Арлекина» собрали многочисленные восторженные отклики как в отечественной, так и в зарубежной прессе. Искусству театра посвящены серьезные творческие исследования.

При театре учреждена SERGUEI MELKONIAN DRAMA ACADEMY (SMDA) - Высшая Театральная Школа-Академиясдвумя филиалами – в Москве Лос-Анджелесе, которая готовит профессиональных актеров-режиссеров, продюсеров и других театральных работников.

О Московском театре Арлекин под руководством Сергея Мелконяна и ведущих актеров театра можно прочитать в Большой Российской Энциклопедии в разделе «Русский драматический театр».

 

«С ВЕСЕЛОГО БАЛАГАННОГО ЗРЕЛИЩА НАЧИНАЛСЯ ТЕАТР...»

 

История

Спектакли Мелконяна рождаются долго: он обдумывает их годами. В репертуаре его театра нет пьес-однодневок и легких комедий из семейно-бытовых отношений. Каждая пьеса окутывается его фантазией и его пониманием реальности. Он не приемлет понятия: «что написано, то и играем». Каждое авторское слово скрывает действие, которое нужно не придумать, а найти – найти то единственное, которое ложится на текст пьесы и становится на сцене живым.

«Любой жанр хорош, кроме скучного».

- Наш театр – авторский, студийный. Студийный с позиции духа, принципов, идей. Несколько раз на протяжении 35 с лишним лет он, как Феникс, возрождался, умирал и снова возрождался. Сегодня рождается новый театр, на базе старого, старых идей. Но формы сегодня другие.

Мы вступили в новый этап, новую эпоху, новую жизнь. Чем мы отличаемся от вчерашнего театра? Тем, что в театре есть ученики, есть костяк. Я счастлив, потому что в театре есть поколение, есть семьи, составляющие театральную семью. Я счастлив потому, что театр – это космос, это отдельный мир для тех людей, которые приходят сюда и остаются. В театре нельзя работать это унизительно. Старые мастера, говорили: «Я служу в театре». В театре надо или жить , или служить . Рабство и театр – понятие несовместимые.

Театр «Арлекин» Н дом, в котором живет большая театральная семья, владеющая бесценными сокровищами – своими произведениями. Работа ни над одним из спектаклей не считается оконченной – он не обрекается на постепенное угасание и умирание. Один из секретов творческой мастерской Сергея Мелконяна: перед каждым спектаклем режиссер заново полирует его грани. Он может ввести новые сцены, изменить рисунок, даже характер роли, по- другому, не так, как неделю назад, решить музыкальные фрагменты и хореографические сцены... И спектакль, идущий на сцене уже лет тридцать, в который раз так удивляет своей непохожестью, хочется смотреть каждое его представление, не пропуская ни одного. А за внешней сверкающей формой скрывается настоящий клад: там, в пестрой мишуре масок, как в глубине колодца, можно разглядеть таинственный блеск разума и таланта.

Сергей Мелконян – человек бескомпромиссный в искусстве, он борется за свой театр и его эстетическое направление.

- Нас пытались унизить, называя балаганом. Но кто сказал, что балаган – это оскорбление? С веселого балаганного зрелища начинался театр. Мы приняты публикой. Мы благодарны ей за признание и поддержку театра. На нас излита желчь прессы: кто-то был возмущен непохожестью наших спектаклей на традиционные мхатовские, кому-то не понравились костюмы...

В 1991 году в маленькой деревеньке Блю Лейк, в горах Северной Калифорнии, труппа театра встречались с учениками и последователями Карло Клементе Моцони – знаменитого руководителя школы комедии дель арте. Он перевез из Италии в Калифорнию свою школу – весь коллектив с актерами и педагогами. «Арлекинцев» встречали доброжелательно, но со снисходительными улыбками: что? Комедия дель арте из России?.. Без костюмов, без декораций актеры театра «Арлекин» разыграли сюжет для импровизации... В зале сидели актеры – мастера комедии дель арте, воспитанники Папы Карло. Выразив свое восхищение мастерством и профессионализмом труппы театра «Арлекин», они сказали: «Да, это комедия дель арте, но это что-то новое». Они слышали о мастерах русского театра , но не представляли ценности их творческих идей. После встречи с актерами «Арлекина» в школе Мацони в Блю Лейке были введены в курс обязательного обучения элементы театральных школ Вахтангова и Мейерхольда.

Есть люди безнадежно театральные. Человек может временно отойти от театра, но он все равно вернется, будет голодать и творить, и играть на сцене, и ставить спектакли.

Несколько последних сезонов ММДТ «Арлекин» работает в Москве; в России – стране, имеющей самые большие духовные возможности для развития творчества.

- Артист должен представлять ту культуру, за которую он должен полностью нести ответственность – за свой этнос, за свой дух. Русский актер, играющий Беккета, должен быть лучше, чем американский. Да и кто такие лучшие американские актеры? Разве они не ученики Михаила Чехова, друга, сподвижника, ученика Вахтангова, - Элизабет Тейлор, Генри Фонда? Все замыкается. Значит у России есть свое предначертание, своя обязанность перед космосом.

Действо

Наверное, метод Сергея Мелконяна можно назвать «игрой» - игрой с актерами, площадкой, звуком, светом, цветом, текстом и даже языком. Игрой-вызовом всем существующем канонам и даже тем, которые созданы и опробованы самим театром. Это вечный список и вечная импровизация. Каждый спектакль возникает как неповторимый сплав режиссерского замысла, актерской игры и творчества технического персонала...

Стилистике театра «Арлекин» присуща особая энергетика свободы духа и высшей нравственной ответственности за свои поступки во времени, к которому мы все принадлежим. Эта энергетика на каждом спектакле резонирует по-разному, в зависимости от духовного настроя зрителей, и в конце концов, дает мощный импульс к высвобождению положительных эмоций, скрытых в душе каждого и нас.

Метод Мелконяна – это...

А впрочем, все это лучше увидеть на сцене и испытать самому.

Визитная карточка театра – спектакль «Шут на троне» по пьесе австрийского драматурга Рудольфа Лотара. Это яркое буффонадное представление с обилием песенных и танцевальных номеров, феерия музыки и пластики. Здесь зрителю предложат окунуться в безграничное море импровизации и ассоциаций, посмеяться и вздохнуть над приключениями Арлекина маску исполняет Заслуженный артист России Олег Черкас. За очевидной легкостью и комедийным флером интриги видна философия жизни – «Лишь тот король, кто чувствует себя королем, кем бы он ни был... даже шутом».

Основополагающий момент «Шута» - именно его маскарадность, марионеточность; искусство не переживания, но представления. «Вы же в ТЕАТРЕ, господа! И сейчас перед вами в этом зале разыграют фарс!»

Главное действующее лицо спектакля «Театр 1» по пьесе С. Беккета – струнный оркестр, расположенный режиссёром прямо в центре сцены. Два персонажа – калека и слепой – оказываются наименее ущербными в том абсурдном мире, который отчуждает их от себя. Они понимают, что каждый человек, какими бы недостатками ни отличался, достоин любви, теплоты и доброго слова. Согласитесь, мысль, для нашего времени очень актуальна.

В спектакле «Звук шагов» (С. Беккет) – история бесконечно одиноких Матери и Дочери. Случившаяся много лет назад личная трагедия в жизни дочери, оставившая неизгладимый след в ее душе, остановила время в то мгновение, когда были потрясены ее душа, тело и создание. Старая Мать не в силах помочь Дочери, так как не в силах понять: сколько же можно жить воспоминаниями? Разделенность родных душ – высшая точка абсурда. Эта разделенность погружает их в беспросветное отчаяние, которое с течением лет не исчезает, не угасает...

Белый Черный Клоун, Рыжий Клоун и таинственные маски постоянно молча вторгаются в непонятные, всегда об одном и том же, диалоги Матери и Дочери, смеясь? издеваясь? Сочувствуя? Осуждая? Размышляя?..

А спасение поверженных душ – оно опять в Боге, к которому в финале, вместе, вдвоем стоя на коленях, обращаются Мать – роль исполняет Заслуженная артистка РФ Сусанна Назаренко и Дочь – ведущая артистка театра Лариса Кузнецова.

 

Еще одна краска в творческой палитре Сергея Мелконяна и его театра – рок опера по поэме П. Антакольского «Франсуа Вийон», в которой воссоздается сложный образ мыслящей и ищущей личности. Душа Франсуа Вийона, гениального поэта и одновременно циничного разбойника, раскрывается режиссером и актерами в сложенном взаимодействии классической музыки и звучащего слова, балетной пластики и рваных ритмов рок-н-ролла.

Это спектакль – вымышленная история о поэте Вийоне. Вымысел, в котором правдоподобно только одно: его стихи. Образ поэта, отделенного от нас пятью веками, осветил мрачное Средневековье. Яркие пятна света выхватывают из глубины сцены и темноты декораций облик поэта-бродяги с горящим взором, одинокого, нищего, но не покорившегося судьбе, а верующего в свою истину, свое призвание.

В своей непутевой жизни он остался верен одной неоспоримой истине: поэтическому дару. С вееров в призвание художника, в исключительность творческой личности в финале спектакля Вийон поднимается на эшафот и, распятый на кресте, взлетает над сценой и уносится ввысь, за облака.

Роль Вийона – это самая большая вершина в актерской судьбе мастера сцены Олега Черкаса. Сверкающая сотням граней мастерства и пронизанная утонченной душой актера, она кажется полностью отождествленной с ним.

Особое, оригинальное прочтение получил шекспировский «Гамлет». Уйдя от традиционной трактовки характеров, режиссер большое внимание уделил хореографии. Менуэт и брейк, классический прыжок и современный танец – язык жестов и поз раскрывает перед зрителем те внутренние движения души, которые в «Гамлете» классическом только подразумевались. Драматический балет – так определен жанр этой постановки.

- Все привыкли, что фарс – легкий жанр, что в нем не может быть философии. Но фарс, и тем более трагифарс, - это, пожалуй, самый драматичный жанр, самый тяжелый для постановки. Почему «Гамлет» - трагический фарс? По фабуле это трагическая история. А по тому, как Шекспир посмотрел на нее, - это фарс. Ни в одном произведении, ни в одной трагедии Шекспира нет призрака, нет такой ситуации, когда Шекспир как бы заставляет нас поверить в небылицу – Гамлет действует от той информации, которую дает ему призрак. Ни в одной трагедии Шекспира нет клоунов-могильщиков. Именно клоунов – в английском оригинале «clowns». Это дает право воспринимать всю ситуацию в «Гамлете» как фарс. Это усмешка великого Шекспира, это ирония над нами, над тем, что мы до сих пор пытаемся разгадать его ухмылку и делаем из «Гамлета» героя.

И, конечно, в год юбилея «Арлекин» не мог оставить своего зрителя без подарка. Недавно на сцене театра состоялась премьера – спектакль «Взятки или благодарность» по пьесе А. Островского «Доходное место». Спектакль можно назвать «комедией дель арте в русском стиле» - настолько необычно его сценическое воплощение. Сергей Мелконян обратился к традициям русского скоморошьего театра, народного балагана, позаимствовав некоторые стилевые моменты у итальянской комедии. Результатом синтеза различных культур и жанров стало действо, соединявшее в себе яркую народность, присущие итальянской школе, и истинно русскую разудалость и загадочность.

- Островский выделил из множества болячек, проблем общества одну из основных – взяточничество. Островский был гениален. Я считаю его русским Гоцци. Я думаю, это большая несправедливость – ставить Островского как бытописателя: что написано, то и играем. Островский – это комедия дель арте, это русское скоморошье действо.

Для меня «Доходное место» - не простой спектакль. Его эксперимент состоит в том, что актеры должны играть не текст автора, а действо, которое заложил он в пьесе, скрыв за своим текстом. Моей задачей было попытаться так взорвать внутреннюю форму, чтобы актеры не имели границ игры.

 

Корпорация и школа

Помимо театра Сергей Мелконян осуществил еще один проект: создал Международную театральную корпорацию IAT, inc (International Arlekin Theatre Corporation). Корпорация существует с 1991 года, основная цель ее деятельности – в наше нелегальное время создать разветвленную систему взаимопомощи и поддержки, объединить творческие коллективы в единый союз. В корпорацию входят театры, благотворительные фонды и объединения, коммерческие фирмы различных направлений деятельности США, Австрии, Дании, России.

В деятельности корпорации все подчинено театру; на главную идею работает все: бизнес, предпринимательство, творческая мысль, организаторские способности каждого.

Корпорация включает в себя две театральные труппы – в Лос-Анджелесе и Москве; оказывает художественно-постановочные услуги: изготовление декораций, реставрация антикварной и театральной мебели, изготовление театральных костюмов, обуви, реквизита, постановка светового и музыкального оформления. Профессиональные литераторы, сотрудничающие с театром, могут предоставить литературно-драматические услуги: переводы, сценарии, пьесы, инсценировки, рецензии, обзоры театральных и музыкальных программ. Корпорация организовывает гастроли, туры, фестивали; семинары и конференции по профессиональным вопросам. Помимо творчества, корпорация успешно развивает предпринимательскую сторону своей деятельности, осуществляя разработку и решение финансовых, банковских, иммиграционных вопросов. Силами IAT, Inc издается журнал «HARLEQUIN - Reporter».

Важнейшее направление жизнедеятельности ММДТ «Арлекин» и корпорации Inc – Высшая театральная школа при театре, без чего невозможно представить себе педагогическую и искусствоведческую методику Сергея Мелконяна, утверждающего, что «театр без студии - мертв». В Высшей театральной школе Сергея Мелконяна(ВТШ-СМ) на актерском, режиссерском факультетах, факультете сценического менеджмента студийцы познают театр полностью – от колосников до бутафорского цеха. В учебном спектакле вместе со студентами-актерами на сцену могут выйти и студенты-продюсеры. Актеры труппы сами занимаются монтировкой сцены, устанавливают свет и звук.

ВТШ-СМ ориентируется на традиции итальянской комедии дель арте и русскую школу, представленную учениками Михаила Чехова, Мейерхольда, Таирова, Вахтангова. Занятия наименование дисциплин педагогический состав со студентами проводят ректор школы Сергей Мелконян Заслуженный артист России, народный артист России, артист малого театра Михаил Новохижин, профессор МГУКа Лениретта Фролова-Знаменская сценическая речь, актриса Мария Новохижина, Василий Шишкин хореография, Александр Курганцев сценограф, Артем Кокжаев Член союза композиторов России История музыки сольфеджио, Галина Надирли ритмика (сценическое движение), Елена Грызлова хормейстер, Лаура Лалазарянц вокал (сопрано) оперная певица Дипломант Международного конкурса "Висси д' Арте" (Италия ), Лауреат специальной премии за лучшее исполнение произведений Верди,Татьяна Габриэлян английский язык и многие другие, а так же лучшие актеры театра – Заслуженные артисты России Эдуард Григорян, Олег Черкас пантомима, Лариса Кузнецова грим, Сусанна Назаренко сценическая речь, Владимир Власенко мастерство актера.

Недавно на большой сцене «Арлекина» состоялось открытие Учебного театра ВТШ-СМ – студенты 2-го и 3-го курсов показали спектакль «Восемь любящих женщин» в постановке актера и педагога школы Владимира Власенко. Это изящно представленный детектив по пьесе французского драматурга Робера Тома, в котором, согласно арлекиновским традициям, очень много внимания уделено музыке, свету, пластике и хореографии. Студенты играют азартно, удивляя выверенностью и грацией движений, точностью интонаций и хорошей сыгранностью. Следует упомянуть, что студенты актерского факультета уже со 2-го курса начинают участвовать в спектаклях основного репертуара театра.

Второй спектакль «Лысая певица» Э. Ионеско поставил Олег Черкас.

- Воспитывать актера в живом, работающем театре – сложный процесс. «Научить нельзя, можно только научиться» - так говорили старые мастера. Нам удалось выработать такую методику, такую систему, которая позволяет актеру за очень короткий срок приобрести профессиональный навык. Учеба – это только начало, это экспозиция, это прелюдия. Актер учится на сцене – от роли к роли, от неудачи к удаче... Моя задача – всего направить, помочь, вытащить из человека его данные, сделать их ярче – и... заразить его театром. С этого все начинается.

 

Финал

Театр представлял спектакли во многих городах России Арзамас, Владимир, Ярославль, Джезказган, Волгодонск, Ереван, Волоколамск и бывшего Советского Союза, в США, Швеции, Австрии, Швейцарии, Венгрии. Как же встречают театр? Находят ли искания отклик в прессе?

Одна из газет называет гастролирующую московскую театральную труппу «Арлекин» популярной и политически откровенной».

Газета отмечала, что выступление театра в Америке придают специальному мастерству новое измерение и что «стиль постановок и техническое искусство безусловно окажут положительное влияние на американский театр». Подчеркивалось, что труппу театра «Арлекин» отличает: «все артисты владеют искусством пения, танца и пантомимы». Именно этот факт – владение актерами международным языком – языком танца и пения – помогает им добиться признания зарубежной публики. А то, что одно из главных составляющих эстетики «Арлекина» - «живой» оркестр в каждом спектакле, еще раз дает повод убедиться в бесспорном профессионализме этого замечательного коллектива.

А сам Сергей Мелконян – верит в будущее, будущее «здесь», а не «там».

- Россия все равно без театра погибнет. Россия – это духовная аура планеты, это предначертано свыше.

 

КРЕДО ГЛАВНОГО РЕЖИССЕРА:

«Творить сообща, творить от себя, творить безостановочно, с разгоном на весь спектакль, с захватом в свое «поле» всей публики. И все это – под шум аплодисментов, от «санитарной» тишины до оглушительного хохота зрителей...»

Пресс-служба (М) ММДТ "Арлекин".